L’art qui retire l’homme du sommet de la « chaîne alimentaire » : entretien avec Silvio Vujičić
Les Rencontres Internationales Monde-s Multiple-s, anciennement Rencontres Bandits-Mages, devaient se tenir à Bourges du 13 novembre au 6 décembre 2020. Mais le confinement en aura décidé autrement et le festival bascule en ligne. Makery s’associe à l’exposition du réseau EMAP, European Media Art Platform, et présentent les différents projets qui devaient être exposés à Bourges. Entretien avec Silvio Vujičić, artiste très intriguant basé à Zagreb qui explore avec passion la matérialité et la temporalité dans sa pratique artistique.
L’art en tant que matière vivante et l’œuvre d’art en tant qu’objet en voie de disparition. Et pourtant, il existe, ou, pourrait-on dire, il a existé. Vujičić, né en 1978, est diplômé de la Faculté de technologie textile et de l’Académie des beaux-arts de Croatie. Dans son travail, de nombreux aspects de l’art et du design alimentent son immense curiosité pour les nouvelles découvertes. Nous avons rencontré Vujičić à son retour de Madrid, sa ville bien-aimée. Son travail, produit par Kontejner à Zagreb, devait être présenté aux Rencontres Internationales Monde-s Multiple-s à Bourges, en France, mais cela a été repoussé pour raisons de Covid. Ironiquement, l’intérêt de Vujičić concerne également le statut éphémère et temporel des œuvres d’art. Surtout lorsque les œuvres d’art représentent une menace toxique pour la position humaine dans la « chaîne alimentaire » de l’œuvre d’art.
Makery : Vous avez de nombreuses vocations et vous travaillez dans de nombreux domaines : du design, de la mode à l’art et à la technologie textile. Après tant d’années de pratique artistique, diriez-vous que l’un de vos intérêts l’emporte sur un autre, ou que vous avez réussi à trouver une sorte d’équilibre ?
Silvio Vujičić: Je ne peux pas dire que quelque chose a prévalu, mais je suppose que si aujourd’hui je devais choisir un seul support pour continuer à y travailler, ce serait l’art, probablement parce que c’est la forme d’expression la plus pure et la plus indépendante, alors que le design dépend de nombreux facteurs humains.
Diriez-vous alors que le design est moins ouvert aux expériences et aux idées que l’art ?
Beaucoup de choses changent entre le moment où une chose est conçue et celui où elle arrive sur le marché. Malheureusement, la conception est soumise non seulement à la fonctionnalité, mais aussi au goût humain, qui n’est parfois pas au niveau nécessaire pour être accepté par le marché, de sorte qu’elle est déclarée infructueuse. Ainsi, si vous regardez l’industrie du textile et de la mode, les meilleurs et les plus progressistes des designers ne sont souvent pas ceux qui ont le plus de succès. Ce sont des éléments qui n’interviennent pas dans l’art, donc ma réponse est oui. Le design est généralement moins expérimental que l’art, pas nécessairement dans l’idée, mais certainement dans la forme réalisée que l’on trouve « exposée » sur le marché.
Comment décririez-vous votre œuvre Curtain qui devait être présentée cette année aux Rencontres Internationales Monde-s Multiple-s à Bourges, en France?
L’œuvre d’art Curtain est une installation à grande échelle, sous la forme d’un rideau textile blanc. L’apparence de l’œuvre d’art est presque celle d’un objet technique, une cloison de séparation ou un rideau sur la fenêtre. Lorsque le mécanisme de pulvérisation est activé, au contact de l’eau, l’alcool polyvinylique du tissu dont est fait le rideau « fond » lentement, et fait disparaître le tissu pour révéler le fond. La vue nouvellement créée, celle qui se trouve derrière le rideau, ne révèle rien de spectaculaire, généralement un mur qui n’offre aucune excitation, ou une scène inintéressante. Curtain fonctionne par et pour lui-même.
L’omniprésence du rideau est très discrète et opaque à la fois, comme s’il n’était pas du tout destiné à interagir avec l’espace présent. Quelles ont été les premières réactions que vous avez recueillies auprès des visiteurs des expositions précédentes ?
L’œuvre porte en elle le potentiel de la surprise, et je l’utilise pour déclencher des émotions. Lorsque les gens remarquent le processus de désintégration du tissu, la première réaction que j’observe chez eux est la peur. La peur que certains produits chimiques dégoulinent sur eux et fassent fondre leur peau comme le tissu. Puis, après quelques minutes, vient la curiosité et la supposition que c’est de l’eau qui dégouline. Ensuite, ils ont généralement tendance à se rapprocher de l’œuvre.
Les matériaux avec lesquels vous travaillez ont tendance à être instables (techno textiles, alcool polyvinylique, parfums, pigments, etc.) Comment les combinez-vous avec les paramètres spécifiques du site ?
Je repense l’œuvre chaque fois qu’il est prévu de l’exposer, et je l’adapte à chaque espace. Certains espaces ne sont pas non plus favorables à certaines de mes œuvres si, par exemple, ils présentent un taux d’humidité élevé, un courant d’air, un système de ventilation puissant qui va à l’encontre de mes appareils, etc. Je développe donc de nouvelles possibilités pour certaines des œuvres dans ces situations. Certaines œuvres se présentent sous forme de nuages de pigments, d’autres sont des pigments peints sur les murs, à certaines occasions, des cristaux sont sublimés dans un espace d’exposition pour que les visiteurs aient un rythme cardiaque plus élevé, etc. Toutes ces installations exigent un « climat contrôlé ».
La temporalité est un élément important dans votre travail. Considérez-vous le temps comme l’un des éléments constitutifs de votre travail ?
Le temps est quelque chose que j’essaie de programmer autant que possible dans mes œuvres. La plupart des installations ne sont pas conçues pour durer longtemps, et les œuvres doivent être reconstruites pour chaque exposition. Certains segments de mon travail sont plus durables, comme les petits objets et les gravures, mais les installations à grande échelle ont des « paramètres » différents.
La couleur est un autre thème prédominant dans votre travail. L’historien Simon Schama a écrit sur les couleurs en tant que contenants de la mémoire, et d’archives de connaissances. Dans votre précédent travail relatif à Curtain, à savoir Roșu / as Curtain, dont le titre cite votre nom de famille originaire de Roumanie, vous avez produit votre propre type de rouge. La couleur rouge a une grande signification politique. Avez-vous également joué avec cela dans votre travail ?
Je ne peux pas considérer la couleur comme un simple phénomène physique, la couleur est pour moi porteuse de toutes les informations historiques vraies et fausses disponibles, des mythologies et des contes de fées. Ce type d’information a été utilisé lorsque j’ai réalisé la série Roșu en 2012. Il s’agissait d’une série d’œuvres d’art réalisées à partir de diverses teintures rouges que j’ai extraites des insectes Dactylopius Coccus. J’ai également beaucoup utilisé divers types d’acides pour obtenir et stabiliser certaines nuances de rouge sur les textiles. Le nom de famille de ma mère est Roșu, ce qui signifie rouge en roumain. Cela a déclenché une série d’autoportraits possibles comme Red Silvio, qui se sont manifestés par l’installation de rideaux, de motifs corporels, et de changements de couleur de l’exosquelette des insectes. Le rouge est intéressant parce que sa portée symbolique est très large et a tendance à changer radicalement au cours de l’histoire, oscillant du mal au bien, de la luxure à la divinité. Le rouge me permet de jouer avec différentes possibilités de moi-même.
Pouvez-vous nous en dire plus sur les thèmes que vous développez ces derniers temps dans votre travail ?
La toxicité est un thème qui m’occupe beaucoup. Toxicité possible des œuvres d’art elles-mêmes. Toxicité des œuvres d’art pour l’homme en particulier. Depuis quelques années, j’ai également tendance à développer mes pigments et mes colorants en utilisant des fleurs comme récipients pour mes expériences. Les fleurs sont infusées avec diverses solutions organiques et minérales, des pigments utilisés par les peintres de la renaissance et du baroque en particulier. Je transforme ces fleurs infusées en « nouveaux pigments », qui sont des hybrides entre des colorants organiques et des particules minérales qui se sont oxydées à l’intérieur de ces plantes (qui portent également leur signification symbolique). Ce sont des matériaux dont j’utilise les « données » plus tard dans mes œuvres.
Vous avez mentionné la toxicité des œuvres d’art. Pourriez-vous étendre cette réflexion aux spectateurs humains ? L’homme peut-il être toxique par rapport aux œuvres d’art ?
Je considère les humains comme des individus transitoires dans le temps. Leurs pensées et leur toxicité éventuelle sont importantes pour les « 15 minutes » métaphoriques de la vie d’une œuvre d’art. L’œuvre d’art, ou les informations la concernant, survivent à plusieurs générations, il y en a donc de nouvelles qui changent l’attitude à son égard. L’histoire nous a montré que certaines des meilleures œuvres d’art n’étaient pas reconnues au moment de leur création. Personnellement, je trouve intéressant de changer cette vision selon laquelle l’homme est celui qui se place au-dessus de l’œuvre d’art. Il est intéressant d’observer les réactions des visiteurs de la galerie lorsqu’ils réalisent que l’œuvre est dangereuse et peut les blesser. Ils arrêtent de se considérer au sommet de la « chaîne alimentaire ».
En période de pandémie, de nombreuses régions du monde sont confrontées à des mesures de confinement. Diriez-vous que l’immobilité physique a affecté vos méthodologies artistiques et les caractéristiques relationnelles et interactives de nombre de vos œuvres ?
L’ensemble du segment sensoriel de mon travail est impossible à vivre par le biais des médias numériques. Je dois donc dire que la pandémie a effectivement affecté ma façon de travailler, mais l’année entière m’a donné suffisamment de temps pour écrire sur ces concepts et a ouvert de nouvelles formes de travail.
Pouvez-vous nous dire à quoi ressembleraient ces nouvelles formes de travail ?
J’essaie de ne pas parler du travail avant qu’il ne soit fait, parce que les gens créent des images dans leur tête qui sont différentes de celles qui arrivent.
Silvio Vujičić, Curtain (2010), vue de l’installation :
En savoir plus sur Silvio Vujičić.
Vous trouverez d’autres projets sur le site European Media Art Platform.
Mondes Multiples, Bandits Mages, Bourges (FR). 19 Novembre – 6 Décembre.